ISTORIA ARTEI

Cum Fotografia a Schimbat Arta

Asculta acest articol

Cel mai vechi proces fotografic disponibil pe scară largă a fost făcut public în 1839 de Louis Daguerre, creatorul Dagherotipului. Popularizarea fotografiei a provocat o mare agitație în lumea artei și a dus la schimbări semnificative în Deoarece fotografia putea înfățișa lumea mai precis decât pictura, aceasta din urmă a trebuit să se reinventeze. Din acest motiv, concentrarea pictorilor s-a mutat de la reprezentarea realității la portretizarea emoțiilor și impresiilor. Din acest motiv, fotografia poate fi văzută ca un mare impuls pentru reinventarea picturii care a avut loc la sfârșitul secolului al XIX-lea și pe tot parcursul secolului al XX-lea.

Când și cum a apărut prima dată fotografia?

Primul proces fotografic de succes, Dagherotipul , a fost creat în 1837 de Louis Jacques Mandé Daguerre. Daguerre lucrase anterior ca pictor profesionist la un teatru. Din acest motiv, cunoștea deja camera obscura , o cameră mică, întunecată, cu o gaură sau o lentilă minusculă care permitea o imagine din exterior. Daguerre s-a inspirat din acest proces pentru a crea primul aparat foto din lume.

Camera obscura fusese deja folosită de secole și permitea reflectarea imaginilor din lumea exterioară pe o suprafață plană. Până la Daguerre, principala dificultate fusese să gravați imaginea produsă fără a fi nevoie să desenați peste ea pe o bucată de hârtie. Chiar și după ce alți inventatori din secolul al XIX-lea au reușit să transfere imaginea pe o bucată de cupru, imaginea a dispărut rapid când a fost expusă la lumină. Înainte de Daguerre, o fotografie era imposibil să părăsească camera întunecată în care a fost produsă.

Cu toate acestea, Daguerre nu a gravat imaginile pe hârtie, ci mai degrabă pe plăci de cupru acoperite cu argint. Această invenție a fost anunțată publicului de către un prieten, Dominique François Jean Arago, în 1839. De acolo încolo, acest nou proces s-a răspândit în întreaga lume. La sfârșitul anului 1839, dagherotipurile au început să fie produse în mai multe națiuni industrializate diferite. Datorită  repeziciuniicu care  s-a răspândit, această nouă invenție a fost rapid perfecționată de mai mulți producători.

În Regatul Unit, la începutul anilor 1840, au apărut primele studiouri de fotografie europene . Timpii de revelație au scăzut semnificativ, de la treizeci de minute ale lui Daguerre la doar douăzeci de secunde în majoritatea studiourilor. La sfârșitul anilor 1880, George Eastman a creat primele role de film. De acolo încolo, fotografii nu au mai avut nevoie să poarte plăci de cupru acoperite cu argint, iar fotografia a devenit mai ieftină și mai accesibilă.

Recepția fotografiei: democratizarea artei

Fotografia a avut un impact semnificativ în societatea secolului al XIX-lea și recepția sa în cercurile artistice a variat . În timp ce unii au salutat fotografia și au folosit-o ca ajutor pentru producția lor artistică, alții au criticat această invenție și au refuzat să o considere demnă pentru artiști, la fel ca și Gustave Courbet .

Indiferent de recepțiile diferite ale fotografiei, această invenție a revoluționat societățile europene din secolul al XIX-lea. Pentru prima dată, arta devenise accesibilă nu numai pentru clasele superioare, ci și pentru cele inferioare. Familiile din clasa de mijloc și din clasa de jos își puteau face portretele aproape instantaneu la un studio de fotografie, la prețuri relativ accesibile.

Se poate spune că a existat, pentru prima dată, o democratizare a artei și imaginii. În timp ce unii au reacționat pozitiv la acest lucru și la accesibilitatea artei în întreaga societate, alții au văzut-o ca pe o banalizare a creației artistice. Mulți au criticat fotografia și au văzut-o doar ca o imitație industrială a artei în scopuri comerciale.

Arta înainte de apariția fotografiei

În ciuda variațiilor lor, mișcările artistice din Europa înainte de secolul al XIX-lea au avut întotdeauna ca accent realismul . Schimbarea și variația lor s-au manifestat în primul rând prin schimbarea tematică (ceea ce a fost pictat) sau tehnică, dar reprezentarea realistă fusese întotdeauna apreciată în toate.

La momentul inventării și răspândirii fotografiei, principalele mișcări de artă din Europa erau romantismul și neoclasicismul . Prima introdusese deja o schimbare în lumea artistică prin accentuarea expresiei artistului.

În pictura romantică existau multe elemente care nu aparțineau realității (elementele supranaturale, de exemplu) dar erau totuși reprezentate realist.

În pictura neoclasică, a avut loc o renaștere a reprezentării figurilor și scenelor mitologice. Cât mai frumos și armonios posibil, acestea au fost întotdeauna reprezentate în detaliu și acuratețe. Chiar dacă unii artiști nu s-au încadrat în aceste mișcări artistice, au pictat totuși realist. Fie că era vorba de subiecte umane, natură sau figuri mitologice, picturile europene din acea vreme aveau în comun scopul lor de a reprezenta imagini cât mai precis și cât mai detaliat posibil.

Impresionismul: o mișcare de artă modelată de fotografie

Pictorii care au asistat la apariția fotografiei au dezvoltat o percepție diferită a realității și a imaginilor față de predecesorii lor. Acești artiști au înțeles că realitatea era trecătoare și că fiecare moment era trecător și limitat. Natura realității, ce au realizat acești pictori, trebuia să fie în continuă mișcare.

Din acest motiv, mișcarea artistică a impresionismului a fost prima care a deviat de la norma realistă în arta europeană. Artiștii impresionismului au acceptat că fotografia era cea mai bună pentru captarea imaginilor fixe și că nu o puteau depăși. Din acest motiv, impresioniștii au explorat alte dimensiuni ale picturii, cum ar fi culoarea, lumina și mișcarea. Acest stil a arătat clar că pictura nu a fost menită să concureze cu fotografia, ci mai degrabă să o completeze, să reprezinte ceea ce fotografia nu putea.

Pictorii impresioniști, în loc să reprezinte cu exactitate realitatea în detaliu, se concentrează pe impresia realității și încearcă să transmită mișcare în picturile lor . Picturile impresioniste reprezintă realitatea așa cum este percepută de ochiul uman: trecătoare , uneori neclară . La început, aceste reprezentări oarecum neclare ale realității au fost criticate ca fiind picturi de proastă calitate sau neterminate, dar în timp au ajuns să fie apreciate.

Din acest moment, a devenit larg acceptat că pictura nu poate concura cu fotografia în reprezentarea exactă a realității. Această realizare, într-un fel, a eliberat pictura din cătușele realismului și a deschis ușa pentru o schimbare în cercurile artistice. În loc să prețuiască realismul, artiștii au început să se concentreze pe exprimarea emoțiilor, impresiilor și a tot ceea ce face parte din experiența umană. În multe privințe, impresionismul a creat o punte între arta tradițională, care avea realismul în nucleu, și arta modernistă, care s-a distanțat de o reprezentare exactă a realității.

Mișcarea de artă modernistă: o nouă concepție asupra artei

Până la începutul secolului al XX-lea , era clar că fotografia a venit pentru a rămâne. Nu numai atât, dar a existat un alt mediu nou-nouț pentru reprezentarea realității: filmul. După o proiecție de film din 1895 la Paris de către frații Lumière, acest nou mediu a fost rapid îmbunătățit și a câștigat o popularitate semnificativă. Reprezentarea cu acuratețe a realității nu mai era o sarcină necesară pentru pictori. Din acest motiv, impresionismul a fost doar prima dintr-o serie de mișcări artistice care s-au îndepărtat de realism.

În prima jumătate a secolului al XX-lea, au existat multiple mișcări în cadrul modernismului care au transformat lumea artei. Primul a fost fauvismul , care reprezenta scene și subiecte reale folosind culori strălucitoare care de obicei nu corespundeau realității. Fauviștii au folosit pensule groase, inspirându-se de la pictori postimpresionişti precum Vincent van Gogh. Cel mai important nume în fauvism a fost Henri Matisse. Când a fost întrebat care este culoarea rochiei doamnei din celebrul său tablou Femeie cu pălărie , el ar fi răspuns: „ Negru, evident ”.

Una dintre cele mai timpurii mișcări din cadrul curentului modernist a fost expresionismul , care și-a avut originile în Van Gogh și Edvard Munch, dar a fost dezvoltat semnificativ câteva decenii mai târziu prin grupul german Die Brücke ( Podul ). În expresionism, accentul nu este reprezentat realitatea exterioară cu acuratețe, ci realitatea interioară, sentimentele și emoțiile. Artiștii expresioniști au folosit culori vibrante și pensule neobișnuit de groase, iar picturile rezultate au fost extrem de dense și intense, transmitând emoții și medii clare.

În special în anii de după Primul Război Mondial , picturile expresioniste devin deosebit de grotești și întunecate. Concentrându-se pe emoții în reprezentarea realității, expresioniștii ar putea picta o imagine mai exactă și mai critică a societății. În multe privințe, aceste picturi ar putea arăta ceea ce fotografia nu a putut, și anume sentimentele artiștilor în jurul realității reprezentate.

Probabil una dintre cele mai cunoscute mișcări din cadrul modernismului este cubismul . Această mișcare a revoluționat conceptul de perspectivă și a respins reprezentarea obiectelor tridimensionale. În loc să folosească tehnici tipice de modelare și perspectivă, cubiștii, cum ar fi Picasso sau Braque, au reprezentat obiectele ca fiind bidimensionale, încercând adesea să includă perspective diferite ale unui singur obiect la un moment dat. Explorând perspectiva într-un asemenea mod, cubismul, ca și alte mișcări de artă modernistă, depășește ceea ce poate face fotografia. Uneori, obiectele reprezentate se abat atât de departe de realitate încât este extrem de greu de înțeles ce sunt. Mai târziu, cubismul a evoluat pentru a deveni mai accesibil și mai ușor de înțeles, așa cum se vede în cele mai faimoase picturi ale lui Picasso, precum Guernica .

În jurul anului 1920 a început una dintre cele mai importante mișcări din cadrul modernismului: suprarealismul . Suprarealistii reiau de unde au ramas dadaistii. Deși fructuoasă în primii ei ani, mișcarea dadaistă s-a pierdut rapid în propriul absurdism și a fost abandonată de mulți artiști. Suprarealismul, în ciuda faptului că este enigmatic și absurd în felul său, nu este deloc lipsit de sens. Dimpotrivă, încearcă să demonstreze suprapunerea proceselor psihologice din mintea umană care provoacă vise și imaginație.

În pictura suprarealistă, nu realitatea fizică este reprezentată, ci realitatea visului și inconștientă. Ca și în alte mișcări de artă modernistă, suprarealismul este complementar fotografiei, deoarece reprezintă ceva dincolo de atingerea ei: mintea umană și lumea viselor. Eliberându-se de cătușele realității, pictorii suprarealiști înfățișează mințile și visele noastre într-un mod revoluționar.

Cum a influențat pictura modernistă fotografia

În ciuda faptului că nu a fost creată cu scopuri artistice, fotografia a fost rapid explorată de artiști. În primul rând, fotografia a fost folosită ca ajutor pentru pictură sau alte forme de artă tradiționale. Mai târziu, unii artiști au început să exploreze combinația dintre fotografie, pictură și alte medii, creând astfel noi forme de artă, cum ar fi fotomontajul. Unul dintre cei mai importanți artiști în acest nou mediu artistic a fost Hannah Höch , o artistă a Republicii Weimar, care a creat exemple celebre de fotomontaj.

A fost nevoie de ceva timp și de controverse pentru ca fotografia să fie considerată o formă de artă plastică. Mulți critici, până în secolul al XX-lea, încă refuzau să accepte fotografia ca ceva mai mult decât un mecanism industrial care imita realitatea, dar avea o valoare artistică mică în sine. Cu toate acestea, de-a lungul secolului al XX-lea, fotografia a început să fie recunoscută ca formă de artă, iar fotografii au creat moduri inovatoare de a se exprima prin ea.

Modernismul a influențat, de asemenea, în mod semnificativ fotografia și reprezentările sale alternative a realității și a emoției umane. În secolul XX, fotografi au explorat și fotografia experimentală și abstractă . În ciuda faptului că încă reprezintă realitatea, aceste tipuri de fotografie explorează forme, culori și perspective fără a se strădui să reprezinte cu acuratețe o anumită scenă sau obiect.

Cum fotografia ne-a schimbat percepția despre artă: o privire de ansamblu

Invenția din 1837 a dagherotipului a afectat societatea și lumea artistică pe care Daguerre nu le-ar fi putut prevedea. Depășind pictura în capacitatea ei de a reprezenta realitatea, fotografia, într-un fel, a eliberat pictura de nevoia de a fi realistă. Fotografia a permis, de asemenea, un acces mai larg la artă și portrete, care erau la mare căutare în societatea secolului al XIX-lea.

Impresionismul a fost prima mișcare care a fost modelată de fotografie și s-a îndepărtat de realismul care a fost norma în arta europeană. Această mișcare a acționat ca o punte între mișcările anterioare și modernism. În diferitele mișcări artistice din cadrul modernismului, mulți artiști au explorat nenumărate moduri noi de a se exprima. Artiștii au început să se concentreze pe experiența umană și pe diferite moduri de a percepe realitatea și au creat opere revoluționare. Fotografia a urmat tendința spre subiectivitate și abstracție, ceea ce a contribuit la recunoașterea ei ca formă de artă proprie.

În zilele noastre, arta este înțeleasă nu doar ca o reprezentare fidelă a realității, ci ca ceva care provoacă gândire și emoție. Mulți spectatori sunt interesați de semnificațiile și sentimentele pe care le transmite sau le reprezintă o operă de artă sau de critica socială pe care o conține. Realismul, deși încă apreciat de unii, și-a pierdut locul ca prioritate în cercurile artistice și de către artiști înșiși. Acest lucru este clar mai ales când ne gândim la mișcările artistice care s-au îndepărtat de realitate, cum ar fi expresionismul abstract .